jueves, 23 de enero de 2020

Apuntes de Música Barroca


APUNTES SOBRE MÚSICA BARROCA


Abarca desde s. XVII hasta 1750, fecha en que muere J. S. Bach. El arte de este período es ostentoso y brillante.

 Al término Barroco se le han atribuido significados diferentes, aún no muy bien definidos, difundiéndose entre algunos teóricos a finales del s. XVII con el significado de superlativo de lo extraño y exceso de lo ridículo. Es decir, el arte barroco fue considerado  como extravagante y recargado. A finales del s. XIX fue perdiendo tal concepto peyorativo para designar al período histórico que sigue al Renacimiento y precede a la Ilustración, con su estilo y sensibilidad propios.

 Nace en Italia, como un supremo esfuerzo por inyectar realismo al agonizante idealismo del Renacimiento, en su ciclo final del Manierismo. El dinamismo dominará toda la arquitectura, y la escultura y la pintura estarán caracterizadas por el naturalismo y movilidad de las figuras.

 Los lenguajes artísticos fueron un medio de propaganda del poder establecido: el triunfalismo de la Iglesia Católica y el fasto de las monarquías absolutas:

GLORIA A DIOS        *ESTADOS PROTESTANTES: en los estados alemanes la austeridad acorde con el espíritu luterano requería una m. menos mundana y más meditativa. Destaca J. S. Bach con sus cantatas, corales y pasiones
* PAÍSES CATÓLICOS: el sentido dramático de la época se manifestó en un género vocal e instrumental religioso: el oratorio, que solían narrar episodios de la Biblia y de Santos pero no se escenificaban con trajes, el más famoso es El Mesias.
* INGLATERRA: la m. es desterrada de templos y catedrales , aboliéndose coros y destruyéndose órganos durante la época de los puritanos; sin embargo, con Carlos II se restauran coros y órganos. El himno sigue siendo el gran motete anglicano.

GLORIA AL REY       *VERSALLES: Se representaban óperas y ballets  fastuosos. Lully, el director de la Academia de M. componía piezas majestuosas destinadas a la exaltación de Luis XIV, El rey Sol, y su poder absoluto incluso sobre gusto, modas y etiquetas.
                                  * MONARQUÍA INGLESA: Carlos II quiso emular los fastos de Versalles e implantó la m. en su corte. Destacaron H. Purcell como músico de palacio, de teatro y de iglesia; y G. F. Haendel, compositor alemán al servicio de la corte inglesa, quien convirtió a Londres en un inmenso escenario teatral.


Pero el B. También fue una época de grandes contrastes: luchas de religión y políticas, tensiones sociales, crisis económica. Tras el Concilio de Trento (1545- 1563), Europa quedó dividida en dos grandes bandos, católicos y protestantes, cada vez más distantes e irreconciliables. El arte reflejaba esta tensión e inestabilidad. La m. vocal e instrumental era como una pintura sonora llena de claroscuros y efectos que tenía deslumbrar y conmover al oyente.

En esta época surgieron nuevos géneros instrumentales y tuvieron un gran desarrollo las artes escénicas: el teatro (tragedia y comedia), el drama musical (ópera y oratorio) y el ballet.

TRANSFORMACIONES TÉCNICAS Y ESTÉTICAS

Durante el B. La técnica y la estética musical experimentaron grandes cambios. Se cerraba el ciclo de la polifonía vocal y se abría el capítulo de la melodía acompañada por instrumentos.


Ø  EL CONCEPTO DE ARMONÍA: la armonía es una aportación del B. Si la polifonía se caracterizaba por la marcha horizontal de cada una de las voces, la m. barroca se caracteriza precisamente por la verticalidad de los acordes y el modo en que estos se encadenan.
Recuerda que en la E. Media ya se desdoblaban las voces formando intervalos de cuartas y quintas (organum); en el Renacimiento se añadió el intervalo de tercera formando una tríada (base de nuestra armonía); en el Barroco se impusieron definitivamente los modos mayor y menos, se abandonaron los gregorianos y se adoptó el sistema tonal, que será la base de la m. occidental hasta el s. XX en que los compositores buscarán nuevas escalas y sistemas armónicos.
Ø  LA MELODÍA ACOMPAÑADA Y EL BAJO CONTÍNUO: todavía en el Barroco la m. tenía que estar al servicio de la palabra. Para conseguirlo los músicos se sirvieron de la melodía acompañada, que consiste en una voz aguda o melodía principal acompañada de instrumentos, que eran la voz más grave y formaban el bajo contínuo. El bajo continuo era una línea melódica sobre la cual se construían acordes, los cuales venían designados por cifras, por esto se le llama también bajo cifrado. (Ver ej. En Vicens 31).
Los instrumentos que tocaban la línea del bajo contínuo eran melódicos (violoncelo, viola de gamba, fagot), los inst. que realizaban los acordes eran polifónicos (órgano, calve, arpa, laúd, guitarra).
Ø  GRAFÍA MUSICAL: la notación moderna tal y como hoy la conocemos, se fijó en el B., al quedar definitivamente establecidos el compás y la acentuación métrica.
Ø  MÚSICA DE CONTRASTES: los compositores barrocos exageraron los efectos sonoros y tímbricos para que resultaran más expresivos y conmovieran al oyente. Para crear mayor dramatismo utilizaban cambios de tempo y ritmo y cambios de dinámica (forte- piano).


EL DESARROLLO DE LA M. INSTRUMENTAL



INSTRUMENTOS                * Violín y guitarra: los compositores comenzaron a componer según las características y técnica de los instrumentos. Italia era la patria de los grandes constructores de la familia de cuerda frotada (los Amati, los Guarneri y los Stradivari). En España, la vihuela dejó paso a la guitarra española, que alcanzó gran prestigio en toda Europa.
                                               * Clave y órgano: los inst. de teclado gozaron de gran difusión gracias a la introducción del sistema temperado (igualdad en tre mi bemol y re sostenido). Couperin y Scarlatti. El órgano alcanzó su máximo esplendor. En Alemania fue muy importante en el culto protestante. En vida Bach fue más apreciado como organista que como compositor.



FORMAS
INSTRUMENTALES                           * Sonata barroca: para 1, 2 o 3 inst. y divididas en varios movimientos. Sonata da camera (profana), sucesión de movimientos de danzas. Sonatas da chiesa (de iglesia), alternaban movimientos lentos y rápidos.
                                                                 * Concerto grosso: pequeño grupo de inst. (concertino) contrapuesto al resto de la orquesta.
                                                     * Concierto para solista: el papel del concertino se redujo a un solo inst., normalmente el violín. El solista también hacía de director.
                                                     * Suite: para 1 o varios inst., era una sucesión de danzas de ritmo binario (alemanda) o ternario (courante, zarabanda o giga).
                                                     * Fuga: pieza polifónica que se basa en las leyes del contrapunto. Las voces se imitan y se persiguen unas a otras.
                                                    




MÚSICA VOCAL

Hasta el s. XVII la m. religiosa ha sido eminentemente vocal. La fuerza de la naciente ópera salpicará a la m. religiosa. Las formas religiosas se distinguirán poco de las profanas en su espíritu y estructura. Prácticamente subsisten las formas religiosas del siglo anterior (misa, motete, pasión...) al lado de otras nuevas que se crean (oratorio italiano, cantata alemana, gran motete francés, himno inglés, villancico español).
Podríamos decir que durante el s. XVII coexisten 3 estilos religiosos diferentes: la polifonía vocal a voces solas, el solo acompañado de algunos instrumentos y el estilo concertante de voces e instrumentos conjuntados.


FORMAS
VOCALES                                       * Coral: los fieles cantan la voz aguda y las otras tres la armonizan. Van acompañados de órgano.
                                                                 * Cantata: es en Alemania donde encontrará su mayor esplendor, ya que está asociada al culto luterano. Se intercala entre el Evangelio y el Sermón. Al principio era sencilla pero evolucionó a una composición parecida al oratorio con arias, recitativos, coros e instrumentos.
                                                     * Oratorio: se relaciona con la m. italiana. Se trata de una composición vocal- instrumental, con partes líricas y dramáticas, sobre textos bíblicos y religiosos, pero sin escenografía ni acción. Intervienen un narrador, solistas, coro y orquesta.
                                                     * Pasión: están destinadas a ser interpretadas durante la Semana Santa. Para coro, solista, órgano y orquesta.
                                                     * Gran motete francés: a pesar de la suntuosidad y superficialidad del estilo versallesco, se creó el gran motete francés con acompañamiento orquestal, solistas y gran coro.
                                                     * Villancico español: es de estilo cantata.
                                                     * Zarzuela: nace en el siglo XVII, pero la pista se pierde debido a la invasión del italianismo. Obras de carácter costumbrista (sobre temas mitológicos como la ópera).
                                                     * Ópera: (ver p. 34 Vicens Vives)




miércoles, 22 de mayo de 2019

6º de #EducaciónInfantil ha aprendido en clase de #Música lo que es un #acorde y, para experimentar cómo suena, han realizado una práctica colaborando entre todos. ¡Qué bien sonaba!







miércoles, 10 de abril de 2019

El romance del Conde Olinos

En el curso de 4º de Primaria han aprendido lo que es el Romance Medieval y han realizado dos versiones del mismo romance, un proyecto en el que se aúnan Arte, Música y Tecnología. Han aprendido a cantar el Romance del Conde Olinos, lo han grabado, han hecho ilustraciones de diferentes pasajes del mismo y, finalmente, hemos montado un vídeo para poder mostrarlo a nuestras familias y al resto del Colegio Alborán. En el siguiente enlace se puede ver el resultado.


miércoles, 6 de marzo de 2019

El Renacimiento musical. Apuntes de clase,

APUNTES SOBRE MÚSICA RENACENTISTA


Los autores suelen distinguir tres períodos:

-          Prerrenacimiento: anterior a 1500. Arrancando en Florencia.
-          Renacimiento: 1a mitad del s. XVI. Con centro artístico en Roma.
-          Renacimiento tardío: 2a mitad del s. XVI. Coincide con el manierismo y el centro artístico se desplaza a Venecia.

El R. Es la época de los grandes inventos y descubrimientos: se descubren nuevos mundos, la imprenta, nuevas teorías en torno al universo... Pero también se trata de un descubrimiento del hombre mismo y del mundo que le rodea con sus atractivas bellezas.

 Es la época de los grandes mecenas en las letras, artes o música: los Médici, los papas León X, Julio II y Nicolás V, los Sforza, etc..

El siglo XV está marcado por el signo de la crisis en todos los aspectos (económica, de clases sociales y religiosa). La Iglesia, el poder monolítico y absoluto, venía debatiéndose en insuperables tensiones internas desde las últimas décadas del siglo anterior, que culminan con el Gran Cisma de Occidente: se suceden papas y antipapas. Llega a haber hasta tres papas a un tiempo y la Cristiandad se divide sin tener idea cierta de cuál es el “verdadero”. Cuando a mediados de siglo se normalice la situación, la Iglesia estará afectada de todas las pasiones e intereses humanos y precipitará una solución cada vez más necesaria: la Reforma.

En el terreno artístico, la principal característica es el conocimiento y la admiración a la antigüedad grecolatina, pero hay que decir que en la música no se produce tal vuelta a la antigüedad hasta finales del s. XVI, cuando entramos en el Barroco. Por esta razón la m. renacentista tardó bastante tiempo en ser comprendida y valorada (prácticamente hasta el s. XIX) considerándose tres siglos retrasada con respecto a las demás artes.

 El opulento nivel de vida de las clases más favorecidas va a permitir que los poderosos contraten y mantengan permanentemente a una serie de músicos para su servicio personal, que constituyen lo que se denomina “capilla”, a imitación de  las que existían en las catedrales para acompañar con su m. los oficios religiosos. Estas capillas estaban constituídas por cantores e instrumentistas (ministriles), cuyo número dependía de las posibilidades económicas de quien las mantenía; un promedio de unos 15 cantores y 5 instrumentistas puede darnos una idea aproximada. Muy pronto se hizo corriente que los príncipes y los nobles de toda Europa tuviesen su capilla para amenizar fiestas y viajes y para servir de elemento de ostentación.

La m. formaba parte del bagaje cultural de los grandes personajes de la época, muchos de los cuales eran poetas y músicos aficionados, como Enrique VIII, que tocaba el laúd y la flauta y su hija Elizabeth I que tocaba muy bien el virginal.

 

LAS ESCUELAS MUSICALES



A pesar de la universalidad de la m. del s. XVI, pueden en ella distinguirse varias escuelas que revisten peculiares características:

q  Escuela franco- flamenca: es la más cosmopolita, participa un poco de todas. Manifiesta su predominio. En los albores del s. XV la vida se concentró en Flandes y Borgoña, unidas políticamente. Los compositores franco- flamencos fueron grandes viajeros y su influencia fue determinante en la evolución de toda la m. europea del Renacimiento. Dufay, Ockeghem,  J. Des Prés, O. Lasso.
q  Escuela romana: representa la austeridad y el equilibrio. Gira en torno a las capillas, destacan la Papal y La Sixtina. Al principio estarán a la cabeza de esta escuela los flamencos, alternando luego con españoles e italianos. Su figura cumbre es Palestrina.
q  Escuela veneciana: colorista y exaltada. Se utiliza por primera vez m. para dos o más coros dialogantes, lo que le dio colorido y esplendor a su m. Destacan Willaert y los Gabrielli.
q  Escuela española: misticismo dramático, profundidad, simplicidad técnica. España era una potencia mundial. Las catedrales españolas tenían un gran protagonismo en la vida musical y el repertorio de m. polifónica era muy rico. El s. XVI es el Siglo de Oro de la m. española. Nuestros compositores eran muy conocidos allende las fronteras y ocupaban cargos importantes por Europa. Tenemos la Escuela Andaluza (Morales y Guerrero) y la Escuela Castellana (Victoria). Pero tenemos una lista interminable de buenos compositores que quedaron eclipsados por estos tres, Encina, Flecha...
q  Inglaterra: vehemente e impetuosa. La Iglesia anglicana adopta su canto particular: la antífona o himno (anthem) en inglés y de estilo simple (parecido al motete católico). Destaca Byrd, llamado el Palestrina inglés, Dowland.
q  Alemania: destaca el Coral como forma que hace participar  a los fieles.

LOS CANCIONEROS



Fueron la fuente más importante para la polifonía profana española de la época. Incluyen un amplio repertorio de canciones polifónicas los más importantes son:

  • Cancionero de Palacio: que recoge cerca de 460 composiciones con obras anónimas, de Escobar... y sobre todo con villancicos de Juan del Enzina.
  • Cancionero de la Colombina: que perteneció al hijo de Colón.
  • Cancionero de Upsala: recibe su nombre de la ciudad sueca donde fue encontrado en el s. XX.
  • Cancionero de Medinacelli
  •  Cancionero del Duque de Calabria: con villancicos de J. Vázquez
  • etc.




LA M. INSTRUMENTAL. LOS INSTRUMENTOS



En el Renacimiento los instrumentos se limitaban a acompañar a las voces y las danzas, igual que en la época medieval. Los músicos seguían improvisando la m. instrumental y sustituían las partes cantadas con los instrumentos.

Durante esta época el instrumentista se especializa y los instrumentos adquieren mayor autonomía teniendo un repertorio propio. Algunos compositores comenzaron a componer pensando en las cualidades de cada instrumento: técnica, timbre y textura.

Ø  Órgano: se perfecciona en los ss. XIII y XIV y adquiere cada más un cometido eclesiástico. La escuela orgánica más importante quizás sea la española. F. Salinas, Antonio de Cabezón.
Ø  Laúd: se difunde por España a través de los árabes. Fue el instrumento favorito del R. Pocos inst. a través de la historia han tenido un repertorio tan inmenso. Intérpretes: Dowland.
Ø  Vihuela: constituye el inst. típico español de la época. Su apogeo fue breve pero dejó un interesante repertorio. L. Milán, L. Narváez, Mudarra. Es una de las más gloriosas contribuciones de la m. española a Europa.
Ø  Tecla: Clavicordio (metal), clave (púa). Al principio eran pequeños y de fácil transporte, como la espineta y el virginal, los más empleados en el s. XVI. Es célebre la escuela de virginalistas ingleses: Byrd.
Ø  Flauta, arpa...

FORMAS INSTRUMENTALES: danzas, variaciones, ricercare, fantasía, tiento, canzona, tocata, etc




LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA


La m. vocal sigue teniendo su apogeo. Las dos grandes formas polifónicas religiosas del R. son la Misa y el Motete, base de la liturgia católica. A esto hay que añadir el Coral luterano y el Himno anglicano.

  •   Motete: surgió en el s. XIII al superponer al tema gregoriano otros textos religiosos y profanos. En el s. XV vuelve a ocupar su lugar religioso al desnudarle de la multiplicidad de textos. En el s. XVI llega a su apogeo con Palestrina. Ya no está obligado a basarse en temas preexistentes. Es de estilo imitativo.
  •      Misa: está basada sobre el motete. Las diferentes partes de la Misa no son más que un motete, y el Gloria y el Credo son la reunión de varios motetes.
  •      Coral: canto sagrado adoptado por Lutero, destinado a ser cantado por los fieles. Armonizado a varias voces y con un ritmo regular con reposo al final de cada frase. Bach lo llevó a su apogeo.
  •         Himno: para coro con o sin voz solista (más tarde de instrumento).

 

LA MÚSICA PROFANA


Es en el s. XVI cuando por primera vez el arte secular rivaliza con la polifonía religiosa. Esta polifonía utiliza textos en lengua vulgar. Generalmente no se destina a un coro sino a voces solistas acompañadas con algún instrumento.

-  Canción popular: es fuente de inspiración para composiciones religiosas y profanas. En todos los países se cultivaba esta sencilla forma que se basa en la alternancia de estrofas y estribillo: en Italia, la villanella y frottola; en Francia, la chanson; en España, el villancico y el romance.
-  Madrigal: es la principal forma de polifonía profana. Busca la expresión de los sentimientos y emociones, la descripción plena del texto  poético. Los músicos se fueron dando cuenta de la dificultad de reflejar los sentimientos a través de un coro, por lo que poco a poco se fue tendiendo a una sola voz con acompañamiento de instrumentos.  A final de siglo se hace más dramático y virtuosístico (Gesualdo), pero será Monteverdi, puente entre el R. y el Barroco quien lo lleve a su máxima plenitud.


EL ESPÍRITU DE LA CONTRARREFORMA

 

El Concilio de Trento (1545- 1563) tomó una serie de medidas para defender los dogmas de la religión católica, purificar la liturgia y garantizar la disciplina y la moralidad del clero. También reconsideró la función que debía cumplir la m. en el culto católico.
La m., la pintura y la escultura tenían como principal objetivo infundir piedad en el pueblo creyente; para ello se debían subordinar los artificios y efectos sonoros de la polifonía a la claridad del texto religioso. La Iglesia identificó los ideales de la Contrarreforma con la severidad y fervor de la obra de Palestrina.

Las disposiciones de este Concilio fueron una respuesta tajante a los principios de la Reforma luterana. En el culto protestante, el pueblo interpretaba en coro un repertorio de melodías populares y las cantaba en su propia lengua; por el contrario en el culto católico, un grupo de expertos cantores cantaban en latín, lo cual reforzaba la solemnidad y mantenía una mayor distancia entre los fieles y la institución eclesiástica.